Cómo se ha construido la imagen del afrodescendiente en la producción fotográfica contemporánea de México y qué tan amplia es su influencia geosocial.

Yael Martínez (Fotógrafo. Guerrero)
Es egresado del Seminario de Fotografía Contemporánea del Centro de la Imagen, diplomado en la Escuela Activa de Fotografía y en foto-narrativa y nuevos medios por la Fundación Pedro Meyer. Ha explorado la conexión entre la pobreza, el narcotráfico, el crimen organizado y cómo afectan a las comunidades de su natal Guerrero en el sur de México, donde actualmente vive. Su trabajo representa las relaciones entre la ausencia y la presencia, y la invisibilización a través de una representación simbólica del dolor, el vacío y el olvido. Recibió el Emergency Fund de la Agencia Magnum y fue nombrado unos de los destacados 30 fotógrafos emergentes de 2017, entre otros reconocimientos como haber sido finalista para la beca Eugene Smith en 2015 y 2016 y haber sido nominado para el premio Foam Paul Huf, el Prix Pictet y el premio Infinity del International Center of Photography. Cuenta con exposiciones individuales y colectivas tanto en México como en el extranjero, y su obra pertenece a colecciones como la de Fundación Televisa y la del Instituto Nacional de Bellas Artes.

Koral Carballo (Fotógrafa. Veracruz)
Nació en el estado de Veracruz, México en 1987. Vive y trabaja en Latinoamérica. El trabajo de Koral Carballo se expande desde el periodismo, las artes visuales y la fotografía documental. Los temas recurrentes que explora son la identidad, la violencia y el territorio. Es egresada de la licenciatura en periodismo de la Universidad Popular Autónoma del Estado de Puebla, y del Seminario de Fotografía Contemporánea del Centro de la Imagen. Su trabajo como periodista ha sido publicado en varios medios de comunicación como Le Monde, El País, The Washington Post, Daily Post y El Universal. Ha exhibido y proyectado su trabajo en España, Suiza, China, E.U.A., Brasil y México. En el 2014 funda y organiza el festival de fotografía documental y periodística MIRAR DISTINTO en Xalapa, Veracruz, México. Su obra se encuentra en la colección de Fundación Televisa. Actualmente es parte del colectivo TRASLUZ, docente en el Laboratorio Documental y fotógrafa independiente. Entre otras becas ha obtuvo la de Jóvenes Creadores en 2015-2016 y el primer lugar en la revisión de portafolios del Coloquio Latinoamericano de Fotografía en el Foto Museo Cuatro Caminos. Además de otras distinciones en periodismo como el Primer lugar en el concurso de crónica de la facultad de periodismo de la UPAEP, Puebla, Puebla, México.

Luján Agusti (Fotógrafa. CDMX-Argentina)
Fotógrafa y artista visual nacida en Argentina en 1986. Estudió Artes en la Universidad de Buenos Aires y fotografía en la Escuela Andy Goldstein en Argentina. Es egresada del Seminario de Fotografía Contemporánea del Centro de la Imagen, en México, donde radica actualmente. Argentina, 1986. Fotógrafa y Artista Visual. Basada entre México y Argentina. 6x6 Global Talent Program de World Press Photo para América Latina. En 2017 recibió la Beca Women Photograph + ONA, la Beca Emerging Artist Scholarship the Lucie Foundation y la Beca CUARTOSCURO Foundry. Seleccionada para el XXX Eddie Adams Workshop. Primer Premio de la convocatoria de fotolibros de Encontros da Imagem (Portugal, 2016). Ganadora de la Beca Roberto Villagraz 2016 de EFTI y del Premio Estímulo Joven de la Bienal de ArtexArte. Nominada para Joop Swart Masterclass (2016, 2017), y seleccionada para First Book Award of MACK Books (2016). Seleccionada para The New York Times Portfolio Review (2017). Seleccionada para la XVII Bienal de Fotografía del Centro de la Imagen (México, 2016). Su trabajo ha sido exhibido internacionalmente, y ha sido publicado en National Geographic, The Washington Post, The New York Times - blog de LENS, The New York Times en Español, The British Journal of Photography, Vice, de Volkskrant, entre otros. En 2016 publicó su primer fotolibro "Un montón de ropa". Pertenece a la Agencia ZUR (Argentina).

Maya Goded (Fotógrafa. CDMX)
A través de su fotografía, y ahora de sus películas, Maya Goded aborda los temas de la sexualidad femenina, la prostitución y la violencia de género en una sociedad donde la definición del rol de la mujer es sumamente estrecha y la feminidad está cercada por los mitos de la castidad, la fragilidad y la maternidad. Actualmente, está llevando a cabo un proyecto de investigación sobre las comunidades chamánicas en el continente americano, desde Alaska hasta la Tierra del Fuego, abordando sus aspectos sicológicos, emocionales, materiales y espirituales, y explorando su relación con la naturaleza. Sus fotografías han sido expuestas en Estados Unidos, América Latina, Europa, China y África. Su obra ha sido motivo de exposiciones individuales en los museos y eventos de fotografía más prestigiados, y ha recibido premios, becas y reconocimientos importantes en distintas partes del mundo, como: Mother Jones Fund (San Francisco); Premio Eugene Smith y J. Simon Guggenheim (ambos en Nueva York); premio Prince Claus Fund, (Ámsterdam) y la beca del Sistema Nacional de Creadores de Artes (México) en cuatro ocasiones. Plaza de la Soledad, su primer largo documental, tuvo su estreno internacional en el Sundance Film Festival y ha recibido diversos reconocimientos, como: el Premio especial del jurado del Festival del Nuevo Cine Iberoamericano (La Habana); el Premio a mejor dirección del Festival Cinema Tropical (Nueva York), y el Premio a mejor documental del Guanajuato International Film Festival (México). El trabajo de Goded transmite una sensación inusitada de intimidad y autenticidad, resultado de la confianza que logra establecer a través de los años con los personajes retratados. Esta sincronía, tan notoria en el lenguaje de los cuerpos captados por su lente, es la que suscita la empatía del espectador. No teme retratar a personas en situaciones difíciles, ya sean los valientes cuya negativa a someterse representa una amenaza para las normas establecidas, o los vulnerables, cuyas vidas son trastocadas por los conceptos de poder y control. Su mirada penetrante, su cuestionamiento permanente sobre las ideas preconcebidas, su esfuerzo por revelarnos realidades poco conocidas, su talento para celebrar la otredad y un humanismo que trasciende las barreras sociales la han hecho merecedora de tantos premios y reconocimientos internacionales.

Abraham Nahón Antropólogo (UABJO) Antropólogo de Oaxaca, especialista en estudios de la imagen. Fue comisionado y su participación ha sido muy importante en la realización del proyecto en la Costa Chica.

La participación de miles de afrodescendientes en México puede entenderse fácilmente a partir de imágenes que atestiguan su importancia en el pasado y el presente. Además de la importancia de las investigaciones documentales, históricas y antropológicas sobre el tema, las imágenes han sido elementos fundamentales para reflexionar y analizar sus contribuciones y experiencias. Esta ponencia tiene el objetivo de mostrar y analizar algunas de las imágenes más importantes de estas poblaciones desde el periodo virreinal hasta nuestros días, tomando en consideración los contextos de las obras visuales, las características de sus creadores y su función.

María Elisa Velázquez, Socióloga, (INAH)
Realizó la licenciatura en Sociología en la UAM, la Maestría en Historia en la UNAM y obtuvo el doctorado en Antropología por la ENAH. Es investigadora de tiempo completo en la Coordinación Nacional de Antropología del Instituto Nacional de Antropología e Historia en donde es responsable del Programa Nacional de Investigación Afrodescendientes y Diversidad Cultural, Profesora de asignatura en la Escuela Nacional de Antropología e Historia en el posgrado de Historia y Etnohistoria, con línea de investigación sobre los africanos y sus descendientes en México, y en la licenciatura de Etnohistoria en la misma escuela. Desde 1998 hasta la fecha es integrante del Sistema Nacional de Investigadores del CONACYT en México. Cuenta con numerosos libros y artículos especializados sobre el tema, entre los que destacan los relacionados a las mujeres de origen africano durante el periodo virreinal en México. Además, formó parte y fue co-responsable de unas de las líneas de investigación del Proyecto Internacional AFRODESC que se llevó a cabo entre 2006 y 2011 en el que colaboran especialistas de Francia, Colombia, México y países de África. En ese mismo año, 2011, recibió la Medalla Gonzalo Aguirre Beltrán por el Gobierno de Veracruz en reconocimiento a su labor de investigación y contribución a la promoción y valoración de las poblaciones afrodescendientes en América Latina. Desde enero de 2009 fue invitada por el Director General de la UNESCO a formar parte del Comité Científico del Proyecto la Ruta del Esclavo: resistencia, libertad y patrimonio de la UNESCO; en febrero del mismo año fue elegida vicepresidenta y en 2011, en Bogotá, Colombia fue presidenta. También desde agosto de 2012 fue invitada a formar parte del Fondo de Apoyo a la Cultura de la UNESCO y fue elegida vicepresidenta del mismo.

A través de una entrevista realizada por el curador Claudi Carreras descubriremos la experiencia de una fotógrafa que ha dedicado su vida y su visión del arte a una zona de Panamá que es representativa de la afrodescendencia en ese país, acompañados de dos pintores que han crecido en la búsqueda de sus raíces africanas.

Sandra Eleta (Fotógrafa. Panamá)
Fotógrafa panameña nacida en 1942. Estudió historia del arte en el Finch College de Nueva York y durante sus estudios se interesó por la fotografía, por lo que se inscribió en un curso en el International Center of Photography y después continuó su formación trabajando con fotógrafos como Ken Heyman y George Tyce. También realizó estudios de investigación social en la New School of Social Research de Nueva York. Es una de las fundadoras el Coloquio Latinoamericano de fotografía. Sus primeros trabajos fotográficos los realizó en una cooperativa de fotógrafos de diversas nacionalidades en los años sesenta, donde cada fotógrafo se encargaba de realizar reportajes sobre diversos temas en su país. Entre 1972 y 1973 estuvo impartiendo clases de fotografía en la Universidad de Costa Rica, y en 1974 regresó a Panamá donde vivió entre la capital y Portobelo, y se dedicó a la fotografía de forma independiente. Destacó su trabajo sobre Ernesto Cardenal, Solentiname, publicado por Gloria Guardia. Su trabajo más conocido, realizado entre 1977 y 1981, consiste en el libro “Portobelo”, un ensayo fotográfico y antropológico sobre la vida en la ciudad del mismo nombre con textos de la fotógrafa guatemalteca María Cristina Orive y los escritores panameños Edgar Soberón Torchia y Edison Simons. Ha recibido premios y reconocimientos por varios de sus trabajos como “Portobelo” (1982) y “Sirenata en B” (1985). Este último está basado en las fotografías de las decoraciones de los autobuses panameños y fue galardonado con los premios Crystal Appel y MILK en 2001. En ellos relata una historia romático-fantástica, co-escrita y co-dirigida por Soberón Torchia y la asesoría técnica del japonés Toshi Sakai. Ha realizado exposiciones en varios países y parte de su obra se encuentra en colecciones de diversos museos como el de Arte y Diseño Contemporáneo de San José de Costa Rica o el museo de Arte Contemporáneo de Panamá. Su casa se ha convertido en el taller Portobelo que durante las últimas décadas es un lugar de encuentro de artistas plásticos que tienen ocasión de compartir experiencias y exponer trabajos.

A través de la perspectiva de los artistas visuales se explorarán las formas en las que se construye una identidad desde la afrodescendencia y las diferentes rutas que significa América Latina y su riqueza humana.

Eustaquio Neves (Fotógrafo. Brasil)
Fotógrafo y videoartista autodidacta nacido en Juatuba, Mina Gerais, en 1955. Graduado como Químico industrial en la Escuela Politécnica en 1980 y vive actualmente en Diamantina, Brasil. Desde 1989 comenzó a experimentar y desarrollar técnicas alternativas y multidisciplinarias manipulando negativos e impresiones. A partir de 2006 incursionó en medios electrónicos, incluyendo experimentación con movimiento y video. Aborda temáticas relacionadas con la memoria y la identidad de la cultura afrodescendiente con enfoques críticos y sociales. Su trabajo ha sido ampliamente divulgado en exposiciones dentro y fuera de Brasil y ha obtenido premios internacionales tanto de la crítica como del público. Recibió el premio Marc Ferrez de fotografía de Funarte en 1994, el Premio Nacional de Fotografía en 1997 y el Grande Premio J.P. Morgan de fotografía en 1999. Ha participado en el XV Salón Nacional de Arte en 1996 y en numerosas exposiciones colectivas en Brasil, Canadá y Reino Unido.

Álvaro Rodríguez Luévano (CI)
Doctor en Historia moderna y contemporánea por el Instituto Mora, es coordinador académico del Centro de la Imagen. Docente por la Universidad del Claustro de Sor Juana. Sus trabajos se han centrado en los dispositivos de identificación penitenciarios y en el estudio de la imagen judicial en archivos históricos. Pertenece a la Red de historiadores del crimen y el delito en América latina y colabora con la Red del Cuerpo Descifrado de la UAM-Xochimilco. Es miembro del Consejo editorial de la Revista Panambí, revista del Centro de Investigaciones artísticas de la Universidad de Valparaíso, Chile.

La diáspora africana que se ha arraigado en América Latina hace más de cinco siglos, representa un cruce de caminos para aquellos fotógrafos que se reconocen más como ciudadanos del mundo. La experiencia de artistas que han trabajado sobre la visibilización de individuos y comunidades afrodescendientes desde diferentes perspectivas.

Nicola Lo Calzo (Fotógrafo. Italia)
Fotógrafo italiano nacido en Torino en 1979. Vive y trabaja en París. Después de estudiar arquitectura del paisaje comenzó con la fotografía. Su trabajo fotográfico rompe las barreras entre el arte y lo documental. Se enfoca en temáticas alrededor de las minorías y la identidad. Con total empatía sus imágenes muestran las formas en las que los grupos de minorías interactúan con su entorno y la forma en que desarrollan estrategias de supervivencia y resistencia. Por más de cinco años trabajó en un proyecto fotográfico de investigación sobre la memoria alrededor de la esclavitud. Este ambicioso proyecto titulado Cham se ha desarrollado en diferentes locaciones de África, el Caribe y América. Sus fotografías han sido expuestas en museos, centros de arte y festivales, entre los que destacan el Musée des Confluences de Lyon, el National Alinari Museum of Photography en Florencia y el Tropenmuseum de Amsterdam. También está presente en numerosas colecciones públicas y privadas, incluyendo el Archivo Alinari de Florencia, la Pinacoteca Cívica de MOnza y la Librería Nacional de Francia en París. Ha editado varios libros, entre ellos “Inside Niger” (2012) y “Obia” (2015). También es un colaborador constante de medios y prensa como Le Monde, The New Yorker, The New York Times, además de comisiones institucionales y comerciales ocasionalmente.

Cristina de Middel (Fotógrafa. España) Es una fotógrafa documental y artista española. Trabajó como fotoperiodista para diferentes periódicos españoles y ONGs y en 2016 pasó a formar parte de la agencia Magnum. Se graduó como fotoperiodista en la Universidad Autónoma de Barceloana y realizó posgrados en la Universidad de Oklahoma y en la Universidad Politécnica de Valencia. Combina su trabajo documental con propuestas personales en las que cuestiona el lenguaje y la veracidad de la fotografía como documento y juega con reconstrucciones o arquetipos que difuminan la frontera entre la realidad y la ficción. En 2012 publicó el libro “Afronautas”, sobre el breve programa espacial de Zambia en África del Sur, con muy buena crítica. Con este trabajo fue nominada en 2013 para el premio de fotografía Deutsche Börse y recibió el premio Infinity del International Center of Photography. En 2017 obtuvo el Premio Nacional de Fotografía otorgado por el Ministerio de Cultura de España. Su trabajo ha sido exhibido en galerías europeas y latinoamericanas, principalmente en la galería Juana de Aizpuru con la que ha participado en diferentes ferias. Su obra se encuentra en la colección Saxe-Coburg y en la colección de Arte del Banco Espirito Santo, ambas en Portugal, en la colección de la ciudad de Birmingham, así como en la Universidad Politécnica de Valencia y en la Fundación Sarthou Carreres.

Elena Navarro
Elena Navarro cuenta con más de veinte años de experiencia en el sector cultural. Tras haber trabajado en la Feria de Arte Contemporáneo ARCO y en la Residencia de Estudiantes en Madrid y haber fundado la revista Arte y Parte, en 2001 creó Canopia, compañía de la cual fue Directora hasta mayo de 2018, cuando fue nombrada Directora del Centro de la Imagen. Entre 2013 y 2018 ha sido, además, Directora Artística del Festival Internacional de Fotografía FotoMéxico.
Durante su carrera profesional, uno de los objetivos principales de Elena ha sido establecer puentes dentro del ecosistema cultural, fomentando la internacionalización de proyectos culturales a través de la coproducción entre distintas instituciones de diversos países.
Canopia es una compañía creada en 2001 con sede en Madrid y Ciudad de México, especializada en la creación y desarrollo de proyectos culturales, diseño de contenidos, organización, gestión integral, coordinación y producción de exposiciones, realización de sistemas de catalogación digital, talleres, ciclos, publicaciones y otros eventos. La empresa ha contribuido al conocimiento de colecciones y archivos fotográficos europeos, latinoamericanos y orientales mediante exposiciones itinerantes que aúnan calidad artística y relevancia histórica. Asimismo, ha establecido una red de trabajo internacional que incluye a curadores, especialistas, coleccionistas, conservadores, editores, museos y fototecas. Canopia ha representado a la Fundación Aperture durante años, y ha sido agente cultural de Magnum Photos en España y en México. Ha organizado más de 150 exposiciones, talleres, cursos y otros eventos en veinte países de Europa y América Latina.
El Festival Internacional de Fotografía de México, FotoMéxico, es la plataforma para la investigación, difusión, y producción de la fotografía nacional e internacional en México que se celebra cada dos años en los espacios expositivos más importantes del país, donde se ha reunido obras de los cinco continentes, así como a un número nutrido de expertos que han acudido en las últimas dos ediciones para establecer un diálogo con la fotografía.
El Centro de la Imagen es una institución pública, adscrita a la Secretaría de Cultura, cuyos objetivos son difundir, preservar y reflexionar sobre la fotografía por medio de exposiciones, programas educativos, publicaciones y la conformación de un acervo. En sus instalaciones, situadas en una antigua fábrica de tabaco que data de finales del siglo XVIII, se han llevado a cabo alrededor de 360 exposiciones en torno a la fotografía y la imagen de artistas nacionales e internacionales que lo han consolidado como una referencia a nivel nacional e internacional. Sus actividades incluyen también talleres, seminarios y presentaciones, así como dos de los eventos más relevantes para la comunidad fotográfica en México: la Bienal de Fotografía y Fotoméxico.